Born in 1969, Isabelle Hayeur grew up on Montreal’s North Shore, in Quebec. At the time, this suburban region was rapidly expanding, and the changes underway gave her a sense of disorientation — a feeling often associated with life on the outskirts of the city. This experience of accelerated urban sprawl, marked by the disappearance of landscapes and habitats, would prove decisive for her artistic path. Later in life, a diagnosis of neurodivergence helped her better understand her affinity for feelings of alienation, displacement, and disenchantment.
Since the late 1990s, she has explored the territories she encounters, questioning how contemporary societies shape and inhabit them. In today’s socio-economic landscape, she is troubled by the ongoing transformation of places, ecosystems, and communities. Her work addresses the dysfunctions of a dehumanised system that standardises experience and flattens meaning, turning us into perpetual strangers to the worlds we attempt to call home. Rooted in an aesthetic of loss and ruin, her practice embodies a quiet, sensitive form of resistance — seeking to reveal what is fading, neglected, or repressed. Drawn to liminal spaces, Hayeur deliberately blurs the boundaries between political engagement and poetic intuition, between documentary observation and a pictorial approach.
Over time, her work has deepened towards themes of civic resistance and dissent, questioning the growing rigidity of social control and the gradual erosion of individual freedoms. These concerns echo through journeys into the vast landscapes of New Mexico, Arizona, and California, where she observes the American West as both a place of collapse and renewal — a terrain haunted by fading myths yet still capable of reinvention. Alongside this political and geographical exploration, she nurtures a more intimate dimension of her practice, attuned to the enchantment of nature and her quiet kinship with plants and places. For her, art is a way to stand firm while remaining open to wonder — to denounce what is disappearing, while staying receptive to the beauty that endures.
Hayeur’s works have been shown internationally, including at the National Gallery of Canada, MASS MoCA, Neuer Berliner Kunstverein, Musée d’art contemporain de Montréal, and the Canadian Cultural Centre in Paris. She has participated in residencies such as the Rauschenberg Residency, Sitka Center for Art and Ecology, Studios of Key West, and Bemis Center for Contemporary Arts. Her works are part of major public and private collections, including the National Gallery of Canada, Art Gallery of Ontario, Vancouver Art Gallery, and Fonds national d’art contemporain (Paris). Her distinctions include the Prefix Prize (2025), Hnatyshyn Foundation Mid‑career Award (2021), the Duke and Duchess of York Prize in Photography (2019), and she was a finalist for the Scotiabank Photography Award (2015).
FRANÇAIS
Née en 1969, Isabelle Hayeur a grandi dans une petite ville de la Rive-Nord de Montréal, au Québec. À cette époque, la région connaît une expansion rapide qui bouleverse ses repères — une expérience souvent liée à la vie en banlieue. Ce développement effréné, marqué par la disparition des paysages et des habitats, a profondément influencé son regard d’artiste. Plus tard, un diagnostic de neurodivergence viendra éclairer son intérêt pour les notions d’aliénation, de déracinement et de désenchantement.
Depuis la fin des années 1990, Hayeur explore les lieux qu’elle traverse pour questionner la manière dont les sociétés contemporaines les façonnent et les habitent. Dans un contexte où l’impératif de rendement s’impose, elle observe les mutations des écosystèmes et des communautés, dénonçant les effets d’un système déshumanisé qui uniformise les expériences et nous rend étrangers à nos propres milieux. Ancrée dans une esthétique de la perte et de la ruine, sa pratique déploie une résistance sensible : révéler ce qui s’efface, donner voix à ce qui se tait. Fascinée par les zones de transition, elle mêle intimement engagement politique et sensibilité poétique, observation documentaire et approche picturale.
Au fil des ans, son travail s’est ouvert aux thèmes de la résistance citoyenne et de la dissidence, interrogeant la montée du contrôle social et l’érosion silencieuse des libertés individuelles. Ces réflexions se prolongent dans ses traversées des paysages du Nouveau-Mexique, de l’Arizona et de la Californie, où l’Ouest américain devient à la fois territoire en ruine et promesse de renouveau, porteur de mythes qui s’effondrent tout en se réinventant. En parallèle, elle développe une dimension plus intime et contemplative de sa pratique, nourrie par l’émerveillement devant le vivant et par son lien complice avec le monde végétal. Pour elle, créer, c’est à la fois résister et ressentir — mettre en lumière ce qui s’efface tout en restant réceptive à ce qui demeure.
Présentées à l’échelle internationale, ses œuvres ont été exposées notamment au Musée des beaux-arts du Canada, au MASS MoCA, au Neuer Berliner Kunstverein, au Musée d’art contemporain de Montréal et au Centre culturel canadien à Paris. Elle a participé à plusieurs résidences telles que la Rauschenberg Residency, le Sitka Center for Art and Ecology, les Studios of Key West et le Bemis Center for Contemporary Arts. Son travail figure dans de nombreuses collections publiques et privées, dont celles du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée des beaux-arts de l’Ontario, de la Vancouver Art Gallery et du Fonds national d’art contemporain (Paris). Parmi les reconnaissances qui lui ont été attribuées figurent le Prefix Prize (2025), le Prix mi‑carrière de la Fondation Hnatyshyn (2021) et le Prix du duc et de la duchesse d’York en photographie (2019). Elle a également été finaliste au Scotiabank Photography Award (2015).